LAND OHNE WORTE

Plus qu’une adaptation, Land without words est une traduction au cinéma d’une pièce de théâtre de la dramaturge allemande Dea Loher. Qu’est-ce qui vous a attiré dans ce texte ? Qu’est-ce qui a motivé le projet de le traduire en film ?

Je m’intéresse au théâtre depuis longtemps. Parfois, le théâtre m’a plus fascinée que le cinéma. Il était logique de combiner les deux. Je lis souvent des textes de théâtre sans voir les pièces – je les lis comme si c’était des scénarios. La mise en scène des actrices dans mes films est statique plutôt que réaliste – plus proche du théâtre que du cinéma. Je préfère un jeu et une mise en scène abstraits, plus envoûtés.

Le texte dense questionne la nécessité et les possibilités de l’art dans un monde de plus en plus violent. Seuls de rares signes trahissent cette violence, dans un espace dominé par le mouvement perpétuel, calme et monotone des personnages. Pouvez-vous commenter ce contraste, ainsi que votre engagement général envers l’abstraction et la non-figuration ?

L’endroit dans lequel « Land ohne Words » est située est une ancienne usine de chars. Bien qu’il n’y ait plus rien de visible, je pense que quelque chose d’invisible reste dans l’air.

Une de vos principales décisions a été de transformer le monologue original en un texte choral, distribué parmi 6 femmes et un homme. Pourquoi ce choix ? Comment avez-vous composé ce groupe, en choisissant des acteurs, des visages et des voix presque exclusivement féminines ?

Le texte original est un monodrame, écrit pour un personnage principal. Je voulais montrer le conflit intérieur en scindant le personnage en plusieurs. Dans le film, les 7 personnages jouent le même rôle – ils sont tous un. La formation de l’ensemble est toujours très organique. J’ai déjà travaillé avec certaines actrices, certaines m’ont été recommandées et d’autres avec lesquelles je voulais travailler depuis longtemps. Je crois aux rencontres – les bonnes personnes entrent en conversation au bon moment et sont aussi disponibles au moment du tournage.

Les origines théâtrales de cette œuvre se manifestent principalement dans l’extrême stylisation du décor et des costumes. Des escaliers et des piédestaux comme tirés de temples ou d’autels, des costumes qui donnent aux acteurs et actrices l’apparence de prêtres ou prêtresses d’un culte inconnu. Pouvez-vous éclairer ces choix ?

Les escaliers qui ne mènent nulle part. La montée et descente constantes symbolisent les cercles de pensée dans lesquels la figure est coincée – le tournant autour de soi-même. Les vêtements en lin blanc représentent les images vides. Le peintre qui ne peut plus peindre de tableaux – la toile reste blanche.

La continuité de la récitation est assortie à l’extrême fragmentation du film, par un découpage qui multiplie les points de vue, et un montage qui joue constamment avec les variations de distance et de présence, entre champ et hors-champ. Comment avez-vous abordé la mise en scène du film, et quels étaient les enjeux de sa fragmentation ?

Je pense que tous mes films sont très fragmentaires. Je n’ai jamais la prétention qu’un film doit être compréhensible ou divertissant. J’apprécie les films quand ils sont encombrants, ambigus et compliqués.

Land without words : le titre est fort et énigmatique. Pouvez-vous partager votre propre interprétation ?

Pour moi, le titre représente la mutisme qui survient lorsque vous pensez à l’état actuel du monde par rapport à la violence, mais aussi par rapport aux évolutions écologiques.

Interview réalisée par Cyril Neyrat